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BAAHUBALI, THE BEGINNING – S. S. Rajamouli – India (Tollywood) – 2015 – Aventuras épicas

Featured image“Baahubali – The beginning” fue, según las fuentes que consultes, la película hindú más cara de la historia. Consecuentemente, logró situarse como la tercera producción autóctona más vista de toda su historia –la primera si solo contásemos la recaudación en su país de origen-, segunda más vista del 2015, y primera, tanto del año como claro está, de toda la historia si nos ceñimos a su origen telegu. El impacto de esta película fue tal, comandada por un tráiler que fue visto a lo largo y ancho del mundo, que casi no necesita presentación.

Y es que aunque no sea algo habitual, ni siquiera ortodoxo para analizar una película, como suele decirse sirva de muestra un botón –en este caso, un tráiler- para condensar todo lo que la producción esconde. Bueno, más que esconder atesora ya que como no dejo de repetir, no ha tenido mejor embajador que esos dos minutos y algo.

Pero no seré tan necio como para decir que todo lo que se ve en el tráiler se multiplica por veinte en la película, más que nada porque ni soy tan vago como para explayarme en un ‘par’ de líneas, ni soy tan inconsciente al asumir que todo el mundo ha visto estas imágenes. Así es que si me permitís…

He arrancado diciendo que “Baahubali” puede haber sido la película hindú más cara de la historia. Algunos cifran la inversión en cerca de 18 millones de dólares USA, y estos se dividen en varios aspectos; para empezar, en unos increíbles efectos especiales de primer orden. En serio. Los más veteranos ya habrán visto películas de este origen o cinematografías hermanas como “Sivaji, the Boss”, “Enthiran, the robot”, “Ra.One”, “Krrish 3” o incluso en el contexto épico “Jodhaa Akbar” que en cuanto a efectos especiales no tenían ninguna objeción; algo normal cuando se acude a empresas de Australia o Nueva Zelanda, claro. En todo caso, producciones competentes y nada que envidiar a otras occidentales.

Pues bien, “Baahubali” va más allá todavía al incrementar el número de efectos e infografías y hacerlas convivir con otros apartados más artesanales como la dirección artística o el atrezzo para conseguir que parajes que solo podíamos imaginar en cómics o videojuegos se hagan realidad. Repito: ya no es que las infografías –aquí por cierto de cuño patrio, chino y surkoreano- tengan la impronta que podrían tener nuevos escenarios de míticas franquicias épicas como “El señor de los anillos”, es que aquí si han tenido que construir un palacio… qué digo palacio, una ciudad entera, pues la construyen y fuera.

Pero ahí no acaba la cosa. Dentro de esas infografías incluimos también esos planos aéreos sobre los campos de batallas donde los guerreros de los diferentes bandos se multiplican a golpe de ratón. Yo he visto la película en formato HD 1080p y no he notado apenas esa multiplicación artificial de los ‘panes y los peces’, ya me entendéis…

¿Y qué decir de esas cascadas del primer cuarto de la película? Estremecedoramente bellas. Y lo que es mejor, creíbles. Es más, el único ‘pero’ que encuentro en los efectos digitales es cuando estos se utilizan para enfatizar el efecto tridimensional a la hora de su exhibición. Ahí, cuando los objetos tienen que ser virtualmente proyectados sobre los espectadores, es cuando se le ve el plumero. Sin embargo, uno tiene que ser indulgente con ello cuando más que buscar ese efectismo o teatralidad tan común en occidente, en la India tiene una función más decorativa.

Si uno se da cuenta, hay veces que más que para reforzar las proezas del héroe se recurre a los efectos para embellecer la escena. Y esa magia que trasciende de lo puramente aparente, y que va desde esos escenarios de los números de baile hasta desencadenar en la misma historia con gestos significativos, es lo que hace grande y única a los que nos gusta esta cinematografía.

Y su director S. S. Rajamouli lo sabe. Rajamouli ha construido una historia que gire en torno al espectáculo, y así se han dedicado casi todos los esfuerzos a que el film te entre por los ojos, de ahí lo del tráiler… Y digo ‘casi’ porque tampoco se han olvidado otros elementos que también gustan en el país y a entregados –tradúzcase como chiflados- extranjeros como nosotros. Pero dejemos eso para después que aún tengo un poco de cuerda para hablar del apartado visual.

De la capital del reino de Mahishmati ya hemos hablado, de las cascadas también, y nos quedaría el páramo desértico, el pasaje helado con todos los elementos cristalizados (atención también a los FX sonoros) y por último, pero no menos importante, ese jardín de estilo más griego con igualmente un salto de agua que como ya había dicho sirve de fondo propicio para un número musical con el que enamorar a la chica. Pues bien, será muy cursi, anacrónico incluso y sobre todo artificial, pero su punto romántico sí que lo tiene. Además, el sentido, esa transformación que hace el protagonista de la heroína es estar ya a otro nivel. En conjunto lo resumiría como poesía en movimiento. En serio. A los muy pudorosos les puede dar sin lugar a dudas algo de vergüenza ajena, pero en el fondo todos tenemos nuestro lado sensible y romántico, y a nuestro modo nos gustaría ser el protagonista o receptor de una de estas escenas.

Y claro ante tal escaparate, la historia pues pasa a un segundo plano, aunque claro, reservando esos reclamos que son indispensables para el público local. Por ejemplo, un héroe forjado a fuego.

Aquí nos encontramos con una especie de “Moisés”, niño abandonado a su suerte en un río, que en realidad es el heredero de un imperio, imperio arrebatado a sus padres por… Dejo los puntos suspensivos porque la respuesta a esto nos la encontraremos, desgraciadamente, en la segunda parte a estrenar en el 2016. Y es por esa misma razón, por la que no solo nos encontramos con un héroe trágico sino con dos: el protagonista y su padre.

Así la película se encuentra dividida en dos partes, una que ocupa la mayor parte del metraje que nos narra el presente, y otra ubicada en la última hora, que nos cuenta los antecedentes. Es en esta última donde se concentra la gran batalla de la película y todos los clichés de las producciones épicas con discursos y traiciones incluidas. Sin embargo, “Baahubali” es grande no solo por su… ejem… duración y despliegue visual: hasta en la batalla final se reservan un par de sorpresas que nos harán volver a creer en que no todo está inventado. Y más allá de argucias y bravuconadas, tenemos detalles que demuestran que la delicadeza y el ser, al fin y al cabo, consecuente con tu estilo de cine siguen vigentes. Hablo por ejemplo del momento del sacrificio/ofrenda del buey…

Otro de esos reclamos podría ser la propia acción más allá del cruce de espadas al que obliga la temática.

El héroe hindú de por sí tiene que ser sobrehumano; aunque pocos, para héroes humanos tenemos el día a día. Así cuando nuestro protagonista salta, lo hace apoyado por efectos de cable, y cuando atiza a un enemigo, lo proyecta a metros de distancia. Esto no cambia en “Baahubali” excepto porque, como decía, se trata de una producción épica y por lo tanto el ‘puño y patada’ se ve reducido en pos de otras proezas más hercúleas, nunca mejor dicho si tenemos en cuenta pasajes como ese del toro… En todo caso, el aficionado a la acción bizarra hindú quedará más que contento con escenas como la del nunchako humano.

Debería acabar como siempre en una película de este origen con la habitual ‘Sección de Coros y Danzas’, pero como números musicales en realidad hay poquitos -no hay sitio ‘gracias’ a la acción y la mayoría son simples videoclips que acompañan a los personajes-, lo dejaré para ‘otra’ ocasión puesto que bastante me he enrollado ya. Bueno vale, al menos diré que la Banda Sonora es bastante étnica aunque temas como “Dhivara” ponen el vello de punta.

Resumiendo, después de disfrutar como un enano con anteriores films de su autor como “Magadheera” o “Eega”, este S. S. Rajamouli se postula como mi director hindú favorito. “Baahubali – The beginning” es ESPECTÁCULO en mayúsculas, pero no solo por la diversión que ofrece sino porque tampoco deja de lado la emoción. Una producción de la que muchos deberían aprender. El mejor film hindú del 2015 y uno de los mejores de toda Asia.

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MEMORIAS DE UN FRANCOTIRADOR EN STALINGRADO – Vasili Zaitsev – Ed. Critica

Featured imageSeguro que más de uno se preguntará que qué hace un libro bélico en un blog de reseñas de literatura y cine de género (terror y fantástico, aclaro). La respuesta es simple, creyendo de paso que satisfará a esos escépticos: porque las cosas que se cuentan en él a veces son tan tremebundas que dan más miedo que una película de terror.

Dicho esto hay que decir que esta “Memorias de un francotirador en Stalingrado” de Vasili Zaitsev es la obra que sirvió de inspiración para aquella fantástica “Enemigo a las puertas” de Jean-Jacques Annaud; con sus diferencias, como el propio libro se encarga de señalar en su prólogo, haciendo especial hincapié en el ataque al comunismo que se hacía en la película a diferencia de la defensa del régimen que se hace en esta obra.

Pero antes de analizar las peculiaridades del libro hay que aclarar que aunque el mismo, como el propio título indica, se presente como unas presuntas memorias, en ningún momento lo es, ya que son diferentes capítulos donde en cada uno de ellos su protagonista narra una aventura sucedida en la Segunda Guerra Mundial, no precisamente en Stalingrado.

A su vez hay que añadir que por mucho que su autor fuese un famoso francotirador, en realidad era un tipo culto que al comienzo de la guerra trabajó como contable, de ahí que si alguien tiene reservas respecto a la calidad literaria del mismo, puede ir quitándose de encima esos prejuicios. Zaitsev no es un literato que construye metáforas evocadoras casi poéticas, pero sí que tiene los suficientes recursos –y le sobran- para construirnos pasajes que nos sitúen en cada momento en la acción del texto.

A este respecto, aunque Zaitsev haga en muchas ocasiones propaganda comunista, tampoco se puede considerar una obra pro-belicista. Y es que como he dicho al principio, hay mucha atrocidad como para verle el lado bueno a la guerra. Es cierto que lo de “morir por la patria” es un lema recurrente, pero muchas veces se deduce más un sentimiento de resignación, de aceptar estar en aquel infierno, que de bravuconadas. Y es que conviene no olvidar que estos defendían su tierra…

En cuanto a la acción, que es lo que importa en estos casos, “Memorias de un francotirador en Stalingrado” es un gozo. El libro no da ningún tipo de respiro, resultando ágil y a pesar de lo que pueda parecer más abierto a otros menesteres que no sean los de disparar gracias a una mirilla. Por momentos hasta diría que, si no fuese por los muertos, podría pasar por un libro de aventuras.

Resumiendo, “Memorias de un francotirador en Stalingrado” es un libro entretenido, un buen desengrasante para cambiar de género pero no abandonar las emociones fuertes. Que tengo una componente real, hace que gane enteros.

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AS THE GODS WILL – Takashi Miike – 2014 – Japón – Thriller

Featured imageReseña escrita para Nido de Cuervos

http://elcuervoenteradillo.blogspot.com.es/2015/06/critica-as-gods-will.html

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JONATHAN STRANGE Y EL SEÑOR NORRELL – Susanna Clarke – GB – Novel histórica/Fantasía

Featured imageLa primera noticia que tuve de este libro fue la mención que de él hizo el popular artista Tomás Hijo en su muro del Facebook, diciendo que iba a ser adaptado a la pequeña pantalla en formato serie por la todopoderosa BBC. En su descripción venía a decir que era “Una especie de Harry Potter para adultos ambientado en la época Napoleónica”, aunque también avisaba que no era un libro para todos los públicos ya que a su extensión –más de 1200 páginas- había que sumar que era extremadamente denso.

Sin embargo ello no me desanimó ya que Tomás Hijo además de ser un artista con un gran talento y un excelente comunicador, tiene uno de esos criterios que en muchos aspectos concuerda con los de un servidor. Así es que me hice con una copia, y aquí estoy, escribiéndoos mis impresiones sobre el libro.

Lo primero que tengo que decir es que para mí, más que un Harry Potter para adultos, es una novela histórica con magia. El libro vive tanto de la magia como de la recreación histórica y esto, para mí, es más definitorio que colocarlo bajo una etiqueta popular.

Lo segundo, que a pesar de esas 1200 páginas –“solo” 1000 si ignoras las Notas del Autor- se consume con tal avidez que pueden parecer 300 páginas de otro título.

Dichas (escritas) estas premisas, interioricemos un poco más.

Decía que el libro en sí tiene poco más de 1000 páginas. Llega a las 1200 con las casi 200 Notas de Autor que su escritora ha ideado. Sin estas, la lectura es igual de comprensiva y atrayente, pero dependerá de cada uno si quiere seguir esas notas. Estas, no son las habituales que nos encontramos en cualquier obra dispuestas a añadir datos; aquí, Susana Clarke sigue la misma línea de ficción del libro, añadiendo detalles e historias paralelas a la narración principal que expliquen situaciones y personajes, enriqueciendo la mezcla. Dependerá del interés, curiosidad, grado de abducción y, sobre todo, tiempo, el que uno prefiera seguirlas o no.

Sobre la historia, nos trae una Inglaterra en plena guerra contra una Francia comandada por Napoleón. En este contexto surge un mago, Gilbert Norrell, que lleva la magia a un nuevo nivel, de la teoría a la práctica. Dadas sus grandiosas habilidades, el gobierno británico no dudará en ponerlo al servicio de la corona combatiendo a los franceses, concepto, el de la magia en la guerra, que hemos visto copiado posteriormente en otras épocas como en la también recomendable trilogía “Tríptico de Asclepia” de Ian Tregillis. Pues bien, pronto surgirá otro mago, Jonathan Strange –curioso ese apellido compartido con otro mago de profesión, en este caso el de la Marvel- que poniéndose al principio al servicio de Norrell como discípulo, no tardará en tomar las riendas de su destino.

Pero bajo esta trama, tenemos otra que nos lleva de pleno a la mitología feérica inglesa que muchos amantes de la fantasía reconocerán y que hemos visto reflejada en otros autores como Gaiman o Mignola. El Rey Cuervo, duendes y tierras mágicas colisionarán con la realidad del siglo XIX. Pero los menos amigos de la fantasía que no se asusten, que aquí no hay enanitos verdes, hadas, ninfas ni nada por el estilo. Solo hay un duende, pero es más una especie de elfo aristócrata –por lo sequerudo, caprichoso y modales exquisitos- que un gnomo. Y es que como digo, “Jonathan Strange y el señor Norrell” tiene todo lo que uno busca en una novela histórica.

Hay una fase bastante extensa en la que Strange acompaña a Wellington a la península ibérica para combatir a las tropas francesas. Dejando de lado la lógica curiosidad/fascinación que el lector español tendrá por esta parte donde muchas localidades patrias salen a relucir, la descripción de los combates y circunstancias que rodearon a esta guerra es digna de la mejor novela histórica. En este punto, Clarke demuestra a todos esos retrógrados misóginos que una mujer es capaz de ofrecer una perspectiva al gusto y desde el punto de vista masculino igual que cualquier hombre.

Pero ya no solo son las aventuras que recrea; hay otra fase que transcurre en Venecia. Os juro que te traslada allí. Ello me lleva a otro de los atractivos del libro: las descripciones de su autora son precisas, usando comparaciones brillantes, estimulantes y originales, tan ilustrativas como algunos de los trucos que ejecutan sus protagonistas.

En este aspecto, Clarke no se resigna en escribir: «Norrell convoca a una bestia del Averno» y sanseacabó. Las fórmulas y sortilegios de los magos protagonistas son divertidísimas y ocurrentes. Nada obvio o visto con anterioridad en comics, películas u otros libros. Cambiar la orografía de una región, crear caballos de agua o hacer hologramas primitivos con la lluvia son algunos ejemplos.

Entremezclada en la trama principal nos encontramos con pequeñas parábolas o cuentos de unas pocas líneas que son las que aportan el humor a la historia. Algunas son tan ocurrentes que casi dan lástima que no continúen.

Por lo demás, también hay crueldad, romanticismo, sorpresas y emoción. Y es que para acabar, no puedo ocultar que sus últimas páginas llegaron a conmoverme. Y no, no porque fuese dramático, gracias a Dios o al Rey Cuervo nos libramos de ello, sino porque por un lado rezuma sensibilidad y por otro, me daba pena despedirme de tan buenos compañeros en tantas horas de diversión. Por suerte, tanto se espera una secuela –sin contar la serie de cuentos publicados bajo el título de “Las damas de Grace Adieu”- como ya quedan pocos meses para que se estrene la serie de televisión.

Resumiendo, “Jonathan Strange y el señor Norrell” ya forma parte de mis libros favoritos. Fantasía e historia como materias primas en una elaboración cuidada, con un lenguaje exquisito y ganas de entretener como meta. Magia creíble elevada al grado de literatura.

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THE PIRAMID – Grégory Levasseur – EEUU – 2014 – Terror/Aventuras

Featured imageReseña escrita para “Nido de Cuervos”
http://elcuervoenteradillo.blogspot.com.es/2015/03/critica-pyramid.html
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EL DESPERTAR – Mike Newell – 1980 – GB – Terror

Featured imageTras acabar de leerme la reivindicable “La joya de las siete estrellas” de Bram Stoker, decidí verme una de sus adaptaciones a la gran pantalla, y la red aseguraba que esta “El despertar” era la mejor. Pues bien, dejando de lado que al verla me di cuenta de que ya la había visto hace años, si bien la película –adelantando conclusiones- es tan estupenda y aún más reivindicable si cabe que la novela, como adaptación-adaptación, deja tanto de desear que no sé cómo será la peor…

Y es que mientras que la obra de Stoker está ambientada a principios del siglo XX, esta lo hace en la actualidad. Y ni que decir estructuralmente, ya que ha sido totalmente remozada cambiando fases de lugar y obviando otras al igual que personajes.

Pero como decía, si como adaptación no logra el aprobado –otra cosa es si hablásemos de “puesta al día”- como film es todo un “Imprescindible”, un “must” como se dice ahora. Sin embargo antes de meternos con ella, comentemos tres factores principales que influyen en su resultado final, factores que nos encontramos delante y detrás de las cámaras.

Para empezar, Charlton Heston. El actor, figura mítica dentro del mundo del cine, justifica muchos de los cambios efectuados respecto a la obra original; y es que teniéndolo a él, su personaje no podía quedar en un segundo plano como en la novela. Con un carisma que ya quisieran muchos, a Heston con 57 años no le importa descamisarse a la mínima para mostrar que aún está en forma y que todavía sigue siendo el actor de acción de antaño. Fantástico.

A este le sigue una debutante Stephanie Zimbalist, a la que más tarde le llegaría la fama con la mítica serie “Remington Steele”. Fresca y con esa belleza modesta de las jovencitas –parezco un viejo verde- Stephanie cumple con su difícil misión de dar réplica al personaje más complicado del film.

Y por último, su director Mike Newell, un cineasta todo-terreno que posteriormente se haría paradójicamente más popular a un género tan diferente a este como el de las comedias románticas y el melodrama. Él sería el responsable de títulos como “Un abril encantado”, “Cuatro bodas y un funeral” o “La sonrisa de Mona Lisa”. Pues que ello no os asuste ya que Newell sabe muy bien cuáles son los terrenos por dónde se mueve ofreciéndonos un producto 100% de género. No en vano también firmó las más fantásticas aunque más recientes “Harry Potter y el cáliz de fuego” y “Príncipe de Persia”

Dicho esto, interioricemos.

Lo primero que hay que hacer es situar la película. Muchos al verla ahora relacionarán la Banda Sonora con la de “El exorcista” o incluso reconocerán escenas con demasiados parecidos razonables a por ejemplo “La profecía”. Pues bien, esta película es heredera de las anteriores ya que tan solo se sitúa siete años después de la de Friedkin y cuatro de la de Donner. Es cierto que esos detalles le restan originalidad y carácter, pero al igual que actualmente decimos que por ejemplo James Wan está marcando una época/estilo al que se acogen otros títulos, esos sonidos chirriantes, primeros planos de las víctimas gritando, y un efectismo a medio camino entre el gore y lo infantil, eran las marcas de fábrica del terror de los setenta por lo que no es extraño que esta siga la corriente.

De tal guisa los amantes al género que crecieron con estas películas encontrarán a esta muy estimulante sin que necesariamente se tenga que apalear a la nostalgia como cuando nos encontramos con un film de la Hammer, ya que a pesar de la patente teatralidad, contiene los factores necesarios para no resultar ridícula o trasnochada.

¿Qué si da miedo? Pues no, ni siquiera hay sustos, pero sabe crear atmósfera –sobre todo en las escenas de Egipto- y la historia engancha sobradamente.

Resumiendo, si te gustan las películas sobre maldiciones, aventuras egipcias o el terror característico de los setenta y ochenta, esta es una opción imprescindible; un buen film de terror que a pesar de los años pasados, aún está vigente.
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LA JOYA DE LAS SIETE ESTRELLAS – Bram Stoker – 1903 – Terror/Aventuras

Featured imageLa gente, entre la que me incluyo, es muy injusta. King, Lovecraft, Poe y Verne; todos conocemos decenas de sus obras y hasta si me apuras detalles de sus vidas. Sin embargo hay gente como H. G. Wells menospreciados que parecen estar en una segunda fila cuando contrariamente han firmado verdaderas Obras Maestras del género como “El hombre invisible”, “La máquina del tiempo”, “La guerra de los mundos”, “La isla del Doctor Moreau” o “El alimento de los dioses”.

Vale que tú sitúes a Wells al mismo nivel que los anteriores, pero no te engañes: eres de los pocos. ¡Pero es que aún hay cosas peores! ¿Qué me decís de Bram Stoker? Sí, pocos habrán que no lo conozcan gracias a su “Drácula”, pero también pocos que puedan dar algún nombre de otras de sus obras. “La guarida del Gusano Blanco” tal vez por su adaptación a la gran pantalla, pero poco más. Sin embargo tiene obras como esta “La joya de las siete estrellas” que son magistrales y deberían de ser reconocidas.

Pero dejémonos de reivindicaciones vanas y vayamos con mi alegato, que para eso estoy aquí, para defenderla y no solo de boquilla.

Si con “Drácula” el autor irlandés dio forma a un mito como el vampiro clásico, con “La joya de las siete estrellas” centra sus miras en otro tipo de personaje habitual del género como son las momias y sus maldiciones.

De extensión relativamente corta, Stoker divide su novela en cuatro partes muy definidas. La primera parece una obra de teatro. Encierra a sus protagonistas en una casa victoriana para estar al cuidado de un anciano que por las noches se ve afectado de algún tipo de extraño ataque. En esta parte Stoker convoca esa atmósfera claustrofóbica que tan bien supo recrear en “Drácula”, desconcertando al lector y atrapándolo en una narración que aunque poco dinámica despierta su curiosidad.

La segunda, con más ritmo y fuera ya del ámbito del misterio y del terror, nos lleva a Egipto, embarcándonos en una aventura con maldiciones, trampas ocultas en pirámides y espíritus vengativos. Esta es, sin lugar a dudas, la mejor parte del libro ya que a pesar de haber superado el siglo de existencia, la narración es vibrante y con hasta un puntito de efectismo inhabitual para aquella época.

Y claro está, tras las buenas sensaciones dejadas por esta parte, es normal que tengamos un bajón; y es que si decíamos que parece mentira que el libro fuese escrito a principios del siglo XX, esta fase que nos abordará a continuación es donde sale a relucir la parte folletinesca tan característica de la época, donde relaciones y sentimientos se anteponen a las situaciones.

Y finalmente la resolución, que recupera el espíritu aventurero y de género de su primera mitad.

Dejando de lado estructura y contenido, el lenguaje de Stoker es directo e inspirador. Por encima de aquellos parajes ya míticos de “Drácula” aquí el autor llega incluso a inventarse localidades, como esa residencia de verano de los protagonistas, para “construir” en ella mansiones inexpugnables. Ni que decir de las excavaciones egipcias…

¿Lo menos bueno del libro? Su final, pero ya se sabe…

Resumiendo, si te gustan las películas de momias y los libros de aventuras y maldiciones, esta es una opción inmejorable. Clasicismo gótico con un estilo contemporáneo fuera de su tiempo. Un claro ejemplo de una de esas obras eclipsadas por la atracción que ejerce otra creación del mismo autor.

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EXTRATERRESTRIAL – The Vicious Brothers – 2014 – Canada – Aliens

Featured imageReseña escrita para “Nido de Cuervos”

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ASI EN LA TIERRA COMO EN EL INFIERNO – John Erick Dowdle – 2014 – EEUU – Terror/Aventuras

Featured imageEn la red tenéis cientos de sesudos análisis de cuáles son los defectos de un mal “found footage”. Y en otras tantas del mal que se han de morir. Bromas aparte la verdad es que este estilo de hacer cine si bien ha incrementado la producción del género del terror, también es cierto que tampoco ha dado excesivas pruebas de la necesidad de su explotación. Títulos verdaderamente buenos no me vienen a la cabeza más que una docena, por lo que la relación calidad/cantidad es más bien exiguo.

Pero no estoy aquí para formular teorías, exponer tesis, ni mucho menos dar lecciones, eso se lo dejo a gafapastas varios y soberbios de barrio. Yo, en mi modesta y friki opinión, me centro en tres aspectos únicamente: el aburrimiento que se produce cuando en uno de estos films la acción empieza tarde, los mareantes movimientos de cámara y finalmente, el amateurismo de los miembros del equipo tanto técnico como artístico.

Pues bien, “Así en la tierra como en el Infierno”, como producción de… ¿se puede decir primer nivel? se aleja de estos tres defectos.

Para empezar evita el aburrimiento esquivando la que podría ser una cuarta carencia como es la falta de originalidad.

Cuando un “Found Footage” triunfa con una de casas encantadas, todas son de casas encantadas. Cuando le suceden las de poseídas, surgen una legión; ahora cuando escribo esto parece que se ponen de moda las de extraterrestres y abducciones. En fin, ya sabéis a qué me refiero.

Aquí si bien el entorno no es novedoso como es el de las catacumbas –aún más trillado si abrimos el concepto al mundo bajo tierra de cuevas, minas, bunkers, alcantarillas, etc.- sí que el fundamento es un tanto más original al recurrir a la ciencia y arqueología. Vamos, que mostrarnos a los protagonistas como unos modernos Indiana Jones, pues oye, tiene su gracia; ya no son los clásicos gili… perdón, jóvenes con dos dedos de frente de siempre.

Si encima le unimos un buen prólogo y detalles que al contrario de aburrir nos meten en esos entresijos pseudo-científicos/pseudo-paranormales del mundo del misterio y de un “Cuarto milenio” cualquiera con el tema de la “Piedra filosofal” como eje central, además de darle un referente creíble por fantástico que sea su contenido, tendrá ya todo nuestro interés.

Claro, también los hay como a mi señora esposa a los que les importa un cuerno esto y les puede parecer un ritmo lento, pero como siempre, depende del interés y bagaje de cada uno. Yo al menos dejo constancia de que contenido para no ponerse a roncar de inmediato tiene, por lo que no hay que preocuparse de sus primeros 25 minutos.

A partir de ahí es cuando nuestros protagonistas se introducen en las célebres catacumbas parisinas continuando con esa versión moderna de Indianas Jones aunque ahora sí, dosificando algunos sustos y escenas inquietantes para acercarse al género. Porque para que no se me acuse de traidor, el horror no empezará hasta haber superado la hora de metraje. Hasta ese momento, como he dicho, mucho tesoro escondido, un Christopher Lee de pega (jojojo…) y algo de la omnipresente claustrofobia; un conjunto entretenido y refrescante.

Una vez metidos en los terreros del horror, el film perderá la originalidad ya que recurrirá a los clásicos “correteos”, pero al menos las causas serán menos tópicas ya que nos introducirán en una variante filosófica de las pesadillas jugando con los temores de cada uno. Vamos, que tampoco es un discurso metafísico cultureta, más bien un “Hellraiser” de andar por casa que incluso por momentos pierde la perspectiva de dar miedo, pero a mí me resultó curioso.

Que luego, su desenlace guarde también algún apunte original…

ATENCIÓN, DESTRIPE¿En qué película de este tipo hay supervivientes?FIN DEL DESTRIPE

… provoca que el conjunto tenga un halo de ambición e inconformismo que es lo que buscamos en toda película.

Luego, respecto a las otras carencias que apuntábamos al principio decir que técnica y artísticamente el film justifica que la “Universal” esté detrás de ella.

Para empezar el montaje del juego de cámaras –tramposa diciéndonos que estas están junto a las linternas en las cabezas de los personajes- provoca que siempre seamos testigos de primera fila de los sucesos y no tengamos ningún ángulo ciego. Además, ni giros bruscos ni tembleques innecesarios.

Otra cosa buena es que también os podéis ir olvidando de escenas oscuras. Aun estando bajo tierra, en cubículos infestos de sombras, tendremos toda la iluminación necesaria para no ir adivinando lo que sucede.

Las interpretaciones pasables; correctas sin más. Quien quiera los monólogos de “Hamlet” ya sabe lo que tiene que hacer.

Los efectos especiales, pocos pero buenos. En especial ese “coche” al más puro estilo “Capsule Corp.”. No digo más…

Resumiendo, “Así en la tierra como en el infierno” es una película divertida. Mezcla conceptos y géneros ya que no es un film de terror al uso para ofrecer una nueva perspectiva de un estilo que parecía ya denostado. Yo la resumiría en un “Indiana Jones meet Hellraiser” con el estilo de “la Bruja de Blair”; una muestra de que el “found footage” no está todavía acabado. Lo que no sé si eso es bueno o malo…

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THE MIDNIGHT AFTER – Fruit Chan – 2014 – Hong Kong/China – Sci-Fi/Terror/Comedia

Featured imageReseña de la película escrita para “Nido de cuervos”
http://elcuervoenteradillo.blogspot.com.es/2014/11/critica-midnight-after.html

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